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“AI는 영혼이 없다,” “그것은 예술이 아니다, 그것은 표절이다,” “로봇이 우리의 창의력을 위해 오고 있다.”
이러한 문구들이 오늘날 광고 대행사, 디자인 스튜디오, 영화 학교에서 반복되고 있다. 이러한 불안감은 이해할 수 있다. NFT 열풍과는 달리 —그것은 픽셀화된 원숭이와 디지털 카지노의 투기 거품으로 끝났지만— AI는 우리를 정확하게 반대되는 이유로 두려움에 떨게 한다: 그것은 실제로 작동한다.
그것은 글을 쓰고, 그림을 그리며, 음악을 작곡하며, 몇 초 안에 모두 할 수 있다. 많은 사람들에게 이것은 인간의 창의力的 장례식처럼 느껴진다. 하지만 진실은, 우리는 예술의 죽음을 목격하고 있지 않다; 우리는 새로운 르네상스의 문턱에 서 있다. 인공 지능은 예술가를 대체하기 위해 여기 있지 않다; 그것은 예술가의 창의력을 증폭시키기 위해 여기 있으며, 예술가가曾經에 기술적인 장벽을 제거하기 위해 여기 있다.
우리가 실제로 느끼는 것은 기술과 비전, 실행과 의도 사이의 재협상이다. 그 긴장은 불편하다. 하지만 그것은 정확하게 흥미로운 것이 일어나는 곳이다.
권력의 지표로서의 불안
기술로 인해 불필요해지는 것에 대한 집단적인 불안감은 기술이 실패하는 신호가 아니다; 그것은 기술의 현象적인 권력의 증거이다. 일론 머스크는 영국 AI 안전 심포지엄에서이 존재적인 공포를 완벽하게 포착했다:
“일할 필요가 없는 시점이 올 것이다… AI는 모든 것을 할 수 있을 것이다.”
하지만 이 страх은 새롭지 않다. 역사는 경제적인 세계의 종말을 예측하는 것으로 가득 차 있다. 1589년에 윌리엄 리가 스톡킹 프레임을 발명했을 때, 그는 엘리자베스 1세 여왕에게 특허를 신청했다. 그러나 그녀는 다음과 같이 거절했다:
“그 발명이 내 가난한 주제들에게 무엇을 할 수 있는지 생각해 보라. 그것은 분명히 그들을 파괴할 것이며, 그들을 노동자로 만들어 줄 것이다.”
세기 후, 1930년에 유명한 경제학자 존 메이너드 케인스는 “기술적 실업”이라는 용어를 만들었으며, 인간이 처리할 수 없는 속도의 변화를 경고했다.
그러나 실제로는 반대가 발생했다. 기계는 대량 실업을 창조하지 않았고, 새로운 산업을 탄생시키고(예를 들어 패션과 대량 생산) 생활 수준을 크게 높였다. 인간은 일을 그만두지 않았고, 단지 비효율적인 작업을停止했다.
역사적으로 일관된 것은 직업이 변한다는 것이다. 패턴은 제거가 아니라 상승이다. AI는 단지 같은 질문의 최신 반복이다.
예술의 조급한 죽음 선고: “오늘부터 그림은 죽었다!”
기술이 “예술을 살해”할 것이라는 두려움은 반복되는 주기이다. 1839년에 최초의 다게레오타입이 공개되었을 때, 유명한 프랑스 화가 폴 들라로슈는 발명품을 조사하고 유명하게 외쳤다:
“오늘부터 그림은 죽었다!”
시인과 비평가인 샤를 보들레르는 합창에 합류하여 사진을 “예술의 가장 致命的な 敵”라고 불렀고 “실패한 화가의 피난처”라고 불렀다.
그림은 죽었는가? 그렇지 않다. 사진은 화가들을 현실을 정밀하게 문서화하는 필요에서 해방시켰고(“인간 복사기”가 되는 필요), 그리고 그들을印象派, キュービズム, 抽象芸術을 발명하도록 밀어붙였다. 기술은 예술을 죽이지 않았고, 그것은 진화하도록 강제했다. 그리고 중요한 것은, 그것은 새로운 예술 형식을 만들어냈다. 사진 자체가 20세기의 위대한 예술 형식 중 하나가 되었다.
유사한 순간은 거의 150년 후, 쥬라기 공원의 세트에서 발생했다. 필 티펫, 전설적인 스톱 모션 애니메이터는 손으로 공룡을 애니메이션화해야 했다. 스티븐 스필버그가 처음으로 CGI 테스트 영상을 보여주었을 때, 티펫은 다음과 같은 말을 했다:
“나는 멸종된 것 같다.”
그러나 스피尔버그는 티펫을 “공룡 감독”으로 만들었고, 디지털 모델을 지시하여 기계가独自로 생성할 수 없는 운동, 영혼, 감정을 주입했다. 그는 단지 도구를 변경했을 뿐, 직업을 변경하지 않았다.
창의力的 민주화: 기술자에서 감독으로
스톱 모션에서 CGI로의 전환과 마찬가지로, 오늘날의 AI는 기술적인 장벽을 제거한다. 생성적 AI는 기술적인 능력이 없는 사람이라도 자신의 이야기를 살아날 수 있도록 한다.
인간의 감각은 사라지지 않았다; 그것은 큐레이션, 취향, 비전으로 이동했다. OpenAI의 CEO 샘 알트만은 다음과 같이 말했다:
“나는 AI가 경제적 권한과 인간의 능력을 위한 가장伟大的 力으로 생각한다.”
새로운 음악 비디오
우리는 이미 예술가가 창의적인 파트너로서 AI와 함께 일할 때 무엇이 가능한지 볼 수 있다. 2024년에 감독 폴 트릴로는 OpenAI의 Sora 텍스트-비디오 모델로 만들어진 최초의 공식 음악 비디오를 와시드 아웃의 “하드 파트”를 위해 만들었다.
그 영화는 한 커플을 여러십 년 동안 단 하나의 드리프팅 샷으로 따라간다. 자동차가 건물로 녹아내리고, 장면이 풍경으로 녹아내리는 것처럼, 기억할 수 없는 기억들처럼. 트릴로는 AI를 사용하여 자신의 기술을 대체하지 않았고, 소라의 초현실적이고 꿈의 논리적인 비주얼을 사용하여 이야기의 슬픔과 기억의 테마를 깊게 만들었다. 그는 출력을 일관된 감정적인 여정으로 편집했다.曾經에 대규모 크루, 세트, VFX 예산이 필요했던 것이 작은 팀으로 가능해졌고, 예술성을 낮추지 않고 기술적인 마찰을 제거하여 감독이 감각, 템포, 비전에 집중할 수 있도록 했다.
그것이 주목할 만한 변화이다. AI를捷徑으로 사용하는 것이 아니라, AI가 방해가 되지 않도록 하는 것이다. 남는 것은 가장 어려운 질문이다: 그것을 만드는 방법이 아니라, 왜 그것이 중요하냐는 것이다. 도구에真正한 관점을 가져오는 창조자들은 이미 다른 방법으로는 존재할 수 없는 작품을 만들고 있다. 그것이 창의력에 대한 위협이 아니다. 그것은 창의력이 새로운 속도로 달리고 있는 것이다.
결론: 21세기의 바퀴
바퀴의 발명은 이동을 줄이지 않았고, 이동할 수 있는 세계를 만들었다. 산업 혁명은 제품을 줄이지 않았고, 풍부함을 만들었다.
인공 지능은 인간의 지적 능력의 바퀴이다. 그것은 반복적인 기술적인 실행에서 우리를 해방시켜주어 우리의 가장 귀중한 자원 — 우리의 상상력 —을真正한 문제를 해결하고 새로운 이야기를 рассказ는 데 투자할 수 있도록 한다. 이 새로운 시대에 번성할 예술가들은 강한 관점을 가진 사람들이다. 왜냐하면 모든 사람이 같은 도구에 접근할 수 있을 때, 남는 유일한 차별점은 인간적으로 reducibly하는 질문이다: 당신은 실제로 무엇을 말하려고 하는가?
혁명은 이미 여기 있으며, 그것은 예술가를 대체하기 위해 여기 있지 않다; 그것은 우리 모두를 자신의 비전의 감독으로 만들기 위해 여기 있다.
